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Les plus grands noms de la musique classique, avec Aissa Hamada

Le concept de musique est une comparaison aux sciences et aux arts d’une chose parfaite, agréable et bien ordonnée.

Selon Ludwig van Beethoven « L’histoire de la musique classique occidentale est circonscrite à la sphère définie par l’appellation de « musique classique » couramment admise et qui englobe celles savante, sacrée comme profane, de ses origines à nos jours ».

Elle désigne l’ensemble des chants occidentaux savants d’origine sacrée et laïc en opposition à ceux populaires, depuis la période médiévale jusqu’à aujourd’hui.

Musique classique et musiques populaires avec Aissa Hamada

La musique classique est à la base de tous les types de chant de toutes les régions du monde et de tous les temps. La période classique se situe entre le milieu du XVIIIe siècle et le début du style romantique en 1820. Aissa Hamada (Cliquez ici pour voir son parcours) a effectué ses propres recherches sur cet art qui est l’une de ses passions et nous livre quelques détails.

Elle est originaire des chants chrétiens des premiers siècles. Celle de Grèce antique et de la Rome antique continuent la propagande de ce genre musical au fil du temps.

Le premier système d’écriture musicale apparait en Occident suite à l’évolution vers le chant grégorien.

La chanson de variété du XXe siècle se base sur le système tonal introduit par la musique baroque au XVIIe siècle et sur la gamme tempérée.

La polyphonie surgit des siècles plus tard et est mise en forme par le moine Guido d’Arezzo.

Les écoles de musique franco-flamandes (base de la théorie de l’harmonie) se développent lors de la pré-renaissance. La création de l’imprimerie musicale voit le jour au XVIe siècle avec la naissance du Madrigal de Claudio Monteverdi (précurseur de l’opéra).

La musique se développe ainsi de manière fulgurante au fil des siècles avec des compositeurs comme Johann Sébastian Bach (style baroque) et Mozart (style classique).

Le célèbre allemand Ludwig van Beethoven domine le début du XIXe siècle avec le style romantique. La fin de ce siècle est marquée par un nouveau genre musical, « le dodécaphonisme » avec Arnold Schoenberg et ses élèves.

Il signe ainsi l’ère de la chanson contemporaine avec Igor Stravinsky, Bela Bartok, Maurice Ravel et Claude Debussy pour la première partie. La seconde partie est la phase du sérialisme avec Anton Webern, Pierre Boulez, Olivier Messiaen et John Cage.

Découvrez les informations sur le blog de Aissa Hamada.

Compositeurs et interprètes phares

Le chant classique est conçu pour s’adapter au fil du temps à travers des générations d’interprètes et de musicologues avec des partitions bien notées.

Il dispose ainsi d’un répertoire, car il permet de faire la différence entre interprète et compositeur, tandis que le chant populaire est écrit pour ou par un musicien (ou un groupe de musiciens) pour son usage personnel.

Jean-Philippe Rameau, Johann Sébastian Bach ou Joseph Haydn écrivent des œuvres pour des évènements précis comme la messe du dimanche, le diner du prince Esterházy, etc.

Ces compositeurs connus utilisent souvent le matériel d’une œuvre pour en écrire une autre selon le procédé du pastiche.

Aissa Hamada explique que la notion de musique classique est formée de la moitié de la musique qu’elle désigne et est dans ce cas sujette à caution.

Les premières formes de chanson sont nées du rythme (battements de mains et des pieds pour imiter les battements du cœur, etc.)

Les premiers instruments sont probablement des instruments à percussion à cause de leur facilité de création comme les tambours qui existent sous diverses formes : à fente, cylindre creux avec une fente sur surface externe ou tronc creux sans fente mais appuyé sur un trou fait dans le sol.

De nombreuses années sont passées pour voir apparaitre des instruments plus modernes (la flûte, le cor, la lyre, la cithare, etc.).

Les différentes périodes de la musique classique

Accédez au blog d’Aissa Hamada pour voir les explications suivantes.

Le Moyen-âge musical est une très longue période composée de chants chrétiens de l’époque et de chants classiques occidentaux développés au fil des années.

Le chant grégorien est un chant monodique pratiqué dans l’église catholique, ce qui est un genre de chanson modale par rapport à celle des temps modernes qui se fait selon deux modes, dont le majeur et le mineur.

Les premières polyphonies (alignement simultané de plusieurs mélodies) se font voir au 12e siècle. Elles constituent l’essence de la musique classique occidentale. Les différents interprètes de chaque pays doivent faire preuve de science, de goût et d’imagination pour faire revivre le style de cette époque ancienne.

Les grandes écoles sont dominées par la France et la Flandre avec la musique savante. Des divisions sont crées au 12e siècle pour déterminer les écoles et les époques, se succédant dans le nord de la France (Saint-Martial, Notre Dame, Ars Antiqua, Ars nova, Ars subtilitor).

La période de la Renaissance (1400-1600) qu’Aissa Hamada trouve la plus intéressante est une période de transition au cours de laquelle se créée les différentes tonalités avec la découverte de polyphonies complexes et d’œuvres instrumentales profanes devenues modernes et un peu monotones.

La musique instrumentale de l’époque devient ainsi semi-écrite, puis écrite à la fin du 16e siècle. Le centre de la chanson sacrée se déplace de la France à l’Italie avec l’école franco-flamande (Josquin Desprez est un grand maitre de cette école) qui domine jusqu’au 15e siècle pour accorder de la place aux écoles romaines et vénitiennes.

Le luth est un genre de guitare en forme de poire, qui accompagne souvent les chanteurs. Il est très expressif et bénéficie d’un répertoire propre à lui. Il provient de l’oud persan.

Le virginal est une danse lente créée par le canadien Glenn Gould avec son piano vers la fin des années 60.

Le Baroque et un genre d’art pratiqué de 1600 à 1750 avec la création des églises pleines d’ornements complexes du point vu style. Cette époque marque la naissance de l’architecture baroque et n’est en rien relatif à la musique. Selon Aissa Hamada le chant influent à l’époque est le style italien qui unit celui de toute l’Europe continentale jusqu’en Pologne. Il est expressf et ne fait point appel au système nerveux de l’auditeur. Jean Sébastien Bach est un considéré comme un grand compositeur de cette époque avec la création de la science du contrepoint (ou superposition des lignes mélodiques).

L’opéra est né dans les années 1600 à Florence en Italie avec l’Orféo de Claudio Monteverdi en 1607.

La musique instrumentale avec Johan Pachelbel (né en 1653 et décédé en 1706) avec son fameux « canon de Pachelbel ». Il est connu pour ce tube sur une basse obstinée. Il joue une mélodie à la première voix avec son canon, puis à la seconde et ainsi de suite. Il produit d’autres œuvres intéressantes, mais qui ne valent pas la notoriété de ce tube.

Le concerto est né de l’époque baroque et se caractérise par une forme musicale avec un groupe d’instruments (concerto grosso) ou un instrumentaliste soliste.

Les concertos sont généralement divisés en trois parties (rapide-lente-rapide), comme par exemple dans le bel adagio du concerto pour hautbois du vénitien Tommaso Albinoni, qui se détache bien de l’accompagnement joué par l’orchestre en sourdine.

La mélodie sacrée connait des sonorités humbles avec les Leçons de ténèbres de Couperin et somptueuses avec le Messie de Händel ou le Gloria de Vivaldi qu’ Aissa Hamada apprécie.

Les compositeurs étalent tout leur art au service de la musique, mais surtout pour la gloire de Dieu avec l’utilisation d’un orchestre, de chœurs et de solistes (les oratorios, les cantates ou les passions).

Jean Sébastien Bach utilise la rhétorique de l’époque baroque et tout son art pour atteindre une intensité inouïe dans l’ouverture de la Passion selon Saint Jean dans la version de 1724.

Le XIXe siècle est une période marquée par le romantisme allemand dont l’influence se fait sentir jusqu’au XXe siècle. Au cours de ce siècle, des courants nationaux émergent et se positionnent contre ou dans la continuité de ce romantisme.

Le début du 4e mouvement de la Symphonie n°5 de Beethoven, un des incontournables du genre selon Aissa Hamada, connait une véritable extase de jeunesse.

Les romantiques se font sentir dans les pays parlant allemand avec les chansons de Lieder, Haydn ou Mozart qui deviennent un genre majeur du genre classique avec par exemple le lied de Schubert sous les paroles de Ludwig Rellstab (recueil posthume).

Franz Liszt compose de belles œuvres dans les années 1850 (Sonate en si mineur, Dante-Symphonie, etc.). Il est né en Hongrie en 1811 et développe son langage musical dans ses dernières œuvres dont Nuages gris, la lugubre gondole, etc. Tchaïkovski se charge de faire un prolongement du romantisme en Russie après Liszt.

Richard Wagner est né en 1813 et est considéré comme un révolutionnaire, car il fait évoluer l’opéra en réalisant dans ses drames une synthèse organique entre musique, texte et orchestration.

Son œuvre est inspirée par la mythologie, les légendes germaniques, le christianisme et le mythe du Graal. Il incarne le génie allemand dans sa grandeur et sa démesure.

La fin du XIXe siècle est marquée par l’évolution du langage harmonique. De grands musiciens du XXe siècle comme Richard Strauss ou Rachmaninov sont la preuve de l’esthétique née au cours de ce siècle avec pour exemple une des dernières œuvres de Franz Liszt « La lugubre gondole II ».

Le XXe siècle est une période marquée par l’achèvement de tous les styles, car les recherches des théoriciens depuis l’époque baroque sont à leur summum, aucun progrès n’est plus possible. Elle est arrivée à maturité.

Des possibilités sont offertes aux compositeurs dont l’utilisation du langage tonal (Ravel, Richard Strauss, Mahler, Rachmaninov etc.), des modes grégoriens ou modes exotiques (Debussy et Messiaen) et l’utilisation des chants populaires, de la polyrythmie et des micro-intervalles.

Le ballet est composé en 1913 par Igor Stravinski et est considéré, comme un des chefs-d’œuvre de la chanson moderne. L’auteur associe rythmes et différentes tonalités pour créer une œuvre purement originale (Le Sacre), qui raconte l’histoire d’une cérémonie sacrificielle dans une Russie païenne imaginaire. Le style est qualifié de sauvage avec la chorégraphie de Nijinski.

Aissa Hamada explique que le dodécaphonisme est marqué par Anton Webern de l’école de Vienne. Elève d’Arnold Schönberg, il reprend sa technique avec pour chaque œuvre une série de 12 sons.

L’instrument utilisé est travaillé et rend son œuvre difficilement copiable tant par sa complexité, sa sécheresse émotionnelle que son utilisation de séries dissonantes.

Les variations pour piano op. 27 sont considérées comme des œuvres très finies.

La chronologie de la chanson classique

C’est une échelle du temps relatant tous les évènements de l’histoire de ce genre musical.

La classification musicologique des grandes périodes est organisée en tableau divisé en décennie où sont reportés les éléments considérés marquants de cette époque par les musicologues.

La classification des grandes périodes commence avec la musique des origines, celle de la Grèce antique, celle de la Rome antique, etc.

La chanson médiévale constitue une partie du style occidentale, religieuse et profane (à peu près 800 ans) avec les premières mélodies chrétiennes formées avant la réforme grégorienne jusqu’à celles de la fin du XIVe siècle.

Celle de la Renaissance est un genre européen composé pendant l’ère de la Renaissance entre 1400 et 1600.

Le style baroque s’établit du XVIIe siècle (création de l’opéra) au XVIIIe siècle (suppression du contrepoint pour l’harmonie). L’époque baroque succède à celle de la Renaissance et précède celle classique.

L’époque du classicisme couvre la période de la mort de Johann Sébastien Bach (époque de la musique écrite) vers 1750 et le début de la période romantique vers 1820.

Le chant classique est considéré comme savante européen de la Renaissance à l’ère contemporaine. Les compositeurs de cette période sont Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig Von Beethoven et Christoph Willibald Gluck, parmi les préférés d’ Aissa Hamada.

Celui romantique débute au XIXe siècle et prend fin au XXe siècle. Le romantisme est un mouvement littéraire qui s’est laissé disperser dans le chant.

La mélodie moderne désigne celle composée pendant la première moitié du XXe siècle et le style contemporain regroupe celle pratiquée à partir de l’Après-guerre (deuxième moitié du XXe siècle). Il désigne toute chanson créée quel que soit le style. Aissa Hamada détermine son époque après la seconde guerre mondiale.

L’ lectroacoustique se classe également dans cette période avec plusieurs autres courants musicaux.

Les compositeurs des différentes époques

Plusieurs compositeurs ont marqué leur époque, de la période médiévale à celle contemporaine. Aissa Hamada en cite quelques uns.

Hildegard Von Bingen est un compositeur allemand de l’époque médiévale (1098-1179), avec lui Bernart de Ventadour (1125-1195) qui est un compositeur français et Alphonse de Castille (1221-1284), compositeur espagnol.

Jean-Baptiste Matthews est un compositeur de la Renaissance né 1589. Dans la même époque, John Dunstable, auteur anglais, fait aussi parler de lui avec Roland de Lassus (belge), Andrea Gabrieli (italienne) et Jan Peterszoon Sweelinck (hollandais).

L’époque baroque est marquée par le français Jean-Baptiste Lully (1632-1687), l’allemand Dietrich Buxtehude (1637-1707) et l’italien Arcangelo Corelli (1653-1713).

L’ère classique est marquée par les allemands Carl Phillip Emmanuel Bach (1714-1788), Christoph Willibald Gluck (1714-1787), Léopold Mozart (1719-1787), l’italien Niccolo Vito Piccinni (1728-1800) et le français Pierre Alexandre Monsigny (1729-1817).

La période de la pré-romance est dominée par l’allemand Théobald Boehm (1794-1881), par l’italien Gaetano Donizetti (1797-1848) et par l’autrichien Franz Schubert (1797-1828).

La période romantique a vu les œuvres du compositeur tchèque Anton Reicha (1770-1836), du compositeur allemand Friedrich Wieck (1785-1873), de l’auteur russe Mickaïl Ivanovitch Glinka (1804-1857) et de l’auteur français Louise Bertin (1805-1877).

La période post-romantique est dominée par le belge César Franck (1822-1890), l’autrichien Anton Bruckner (1824-1896) et par l’allemand Carl Reinecke (1824-1910).

L’ère moderne est marquée par le tchèque Vítězslav Novák (1870-1949), le français Florent Schmitt (1870-1958), l’autrichien Alexander Von Zemlinsky (1871-1942), l’anglais Ralph Vaughan Williams (1872-1958), l’allemand Max Roger (1873-1916) et par l’auteur brésilien Heitor Villa-Lobos (1887-1959).

Giacinto Scelsi est un compositeur italien de l’ère contemporaine né en 1905 puis décédé en 1988. Dans la même époque, Elliott Carter, auteur américain, fait aussi parler de lui, il a vécu de 1908 en 2012, ainsi que le compositeur français Olivier Messiaen.

La dernière période n’est pas assez précise, mais elle est marquée par le français Louis Vierne (1870-1937), le libanais Wadih Sabra (1876-1952), l’ukrainien Lubka Kolessa (1902-1997), l’autrichien Herbert Karajan (1908-1989) et par le compositeur italien Remo Giazotto (1910-1998).

La petite histoire du chant moderne et quelques auteurs connus

La chanson moderne est celle de la première moitié du XXe siècle avec pour précurseur Debussy.

Le style dodécaphonique est né à cette époque avec comme créateur Schoenberg et d’autres compositeurs, tels que Ravel, Strauss Richard, Stravinski, Sibelius, Scriabine, Honegger, Poulenc, Bartok, Chostakovitch, Prokofiev, Gershwin, Britten, Villa Lobos, Schmitt, etc.

Plusieurs mouvements (nouvelles approches artistiques) sont ainsi nés de cette période comme l’atonalité, le dodécaphonisme, le sérialisme, le symbolisme, le primitivisme, le futurisme, le sérialisme-dodécaphonique, le pointillisme, le bruitisme, l’expressionnisme, le folklorisme, l’impressionnisme, le néo-classicisme et le surréalisme.

Certains compositeurs sont également passés du chant tonal post romantique à l’atonal puis au dodécaphonisme.

Tous ces mouvements sont reliés à certains compositeurs rassemblés dans un groupe pour désigner un style musical de base commun qu’ils développent (l’école de Vienne) ou pour désigner un réseau d’amis, réalisant parfois des œuvres communes (le Groupe des six).

De nombreux auteurs ont marqué cette époque comme Igor Fiodorovitch Stravinsky (pianiste et chef d’orchestre) d’origine russe naturalisé français puis américain. De père chanteur et de mère pianiste, il compose toutes ses œuvres avec style et audace. Il se lie d’amitié avec Picasso et entretient une liaison avec Coco Chanel.

Ses parents ne veulent pas qu’il joue de la musique, il suit donc des cours de Droit à l’université de Saint-Pétersbourg et des leçons d’harmonie et de contrepoint en simultané à partir de 1901.

Il devient l’élève de Rimski-Korsakov qui lui enseigne l’orchestration et les formes classiques. Il compose aussi la mélodie des ballets russes de Diaghilev et devient ainsi célèbre.

Il s’inspire du folklore russe, puis se tourne vers un style plus dépouillé avant de retourner à des formes plus classiques. Il s’intéresse également au chant sériel dans la lignée du chromatisme de Schoenberg.

Sa vie se résume en 6 dates dont 1906 où il épouse sa cousine Gavrilona Nossenko qui lui fait 4 enfants, 1908 qui marque la mort de son professeur Rimski, 1917 qui marque son séjour à Rome et l’an 1935 qui représente celui de publication des « Chroniques de ma vie ».

En 1945 il obtient la nationalité américaine et s’installe à Hollywood et en 1962 il retourne en Russie après 48 ans d’exil.

Ses œuvres peuvent également se résumer en 6 dates dont la Symphonie en mi bémol écrite en 1907 lors de son apprentissage avec Rimski-Korsakov, le Sacre du printemps pour les Ballets russes de Diaghilev en 1913, Piano Ragtime Music en 1919 les Noces en 1923, The Rake’s Progress de 1948-1951 et Canticum Sacrum en 1956.

Sergueï Rachmaninov est un compositeur russe de la même époque. Il est pianiste, russe et chef d’orchestre. Il reste attaché au romantisme dans ses œuvres sous l’influence de Tchaïkovski avec un style lyrique et tourmenté caractérisé par l’expressivité des nuances, la sobriété des thèmes et la traduction des émotions avec une large palette harmonique.

Il étudie au Conservatoire de Saint-Pétersbourg puis au Conservatoire de Moscou avec Nikolaï Zverev, Anton Arenski, Serge Taneïev et Alexandre Siloti (pianiste) comme professeurs. Il est très proche du pianiste Vladimir Horowitz.

Il s’installe à Beverly Hills pendant la Seconde Guerre mondiale et décède d’un cancer du poumon en 1943. Sa renommée vient de l’extrême difficulté technique de ses œuvres et constitue ainsi le dernier compositeur romantique du XXe siècle.

Ses œuvres se résument en 6 dates phares avec en1892 l’année du Prélude en do dièse mineur op. 3 n°2 pour piano seul, l’an 1909 marque L’île des morts (poème symphonique) créé à Moscou et le Concerto n°3 pour piano en ré mineur, op. 30 créé à New York.

En 1911, il compose les Etudes-Tableaux op. 33, cycle de 8 morceaux pour piano et les Danses symphoniques op. 45, en 1940 à Philadelphie.

Aissa Hamada incite à écouter ces œuvres pour une meilleure connaissance de l’art musical dans toute sa splendeur.